Esta sección está dedicada a publicar algunos de los distintos eventos musicales con el Shakuhachi como principal referencia, y generalmente, en territorio nacional; no obstante también se incluyen artículos y avisos de eventos de otros estilos e instrumentos.
La creadora de este blog simplemente intenta ofrecer una ventana informativa. Espero que os agrade.
TABLÓN DE ANUNCIOS
Contactar con:  
|
Principales
Eventos de Shakuhachi
________________________________ Maestros de Shakuhachi en España - Curti, Horacio: Escuelas y estilos Koten Honkyoku Kokusai Shakuhachi Kenshukan style, Improvisación - Humet, Ramon: Escuelas y estilos Kokusai Shakuhachi Kenshukan, Contemporáneo - Olías, Antonio Enzan: Escuelas y estilos Kinko Ryu Chikumeisha, Kokusai Shakuhachi Kenshukan, Tozan, Fukeshu Shakuhachi, Gendai Hogaku “Música Japonesa Contemporánea” e-mail: antonio.enzan@gmail.com - Rodríguez, Rodrigo: Escuelas y estilos Mu Ryu, Kinko Ryu, Dokyoku |
MUJERES EN LA MÚSICA
Próximos a la celebración del Día Internacional
de la Mujer ( 8 de Marzo) me parece una buena idea, recordar a dos grandes
mujeres del medioevo, una en tierras alemanas y otra en tierras japonesas, y
que contribuyeron con su sensibilidad creadora a la música universal.
EL ENCUENTRO HILDEGARD-OTOMAE
Al igual que la monja medieval
alemana Hildegard von Bingen (¿1098?-1179), el repertorio de la cantante
japonesa Otomae (¿1086?-1169), coetánea de Hildegard era y es muy
apreciado. Aunque la música de esta última se ha perdido, gracias al profundo
interés del emperador Go-Shirakawa Tennō, quien difundió con su comentario Tesoro
Privado de Canciones Soberbias (Ryōjin Hishō), las letras de Otomae,
su obra puede ser hoy en día apreciada por el público de todo el mundo.
Para Hildegard, el canto era la forma
más elevada de actividad humana, reflejando el inefable sonido de las esferas
celestiales y los coros de ángeles. Otomae, de igual manera, veía el papel del
canto como la forma más poderosa de adoración, capaz de activar en nosotros la
salvación,
incluso de forma más efectiva que las liturgias institucionales.
Otomae (乙前) (1086?-1169) fue una cantante famosa y carismática del siglo XII. A los 12 años, debido a su gran voz, fue adoptada por la cantante Mei, que provenía de una larga línea de cantantes exclusivamente femeninas, organizadas matrilinealmente y pertenecientes a una especie de gremio de cantantes conocido como kugutsu (傀儡), especializado en canciones populares contemporáneas conocidas generalmente como imayō (今様) o Canciones Actuales, que floreció entre los siglos XI y XIII, a menudo asociada con la forma tradicional de cantar poemas de 7-5 sílabas.
Podemos rastrear la línea profesional
de Otomae desde su madre adoptiva/mentora Mei hasta al menos tres generaciones
de maestras imayō: Mei era discípula de Shinsan, quien a su vez había
sido hija/discípula de la maestra imayō Nabiki. Ya retirada y habiendo
hecho votos laicos como monja budista, Otomae tenía poco más de setenta años
cuando, en 1157, el entonces retirado emperador Go-Shirakawa Tennō (1127-1192),
recién entrando en sus treinta y apasionado admirador del imayō, la hizo
llamar a la corte para convertirse en su aprendiz y aprender a cantar su
extraordinario repertorio de unas 566 canciones a su manera característica.
Go-Shirakawa Tennō no tenía forma de
anotar melodías, pero registró cuidadosamente la letra conservándolas en una
colección que llamó Ryōjin Hishō (梁塵秘抄), que puede traducirse
libremente como Tesoro privado de canciones soberbias. La palabra Ryōjin,
tomada del chino clásico Liangchen, implica una voz que se eleva hasta
el punto de que, es capaz de mover las vigas.
A diferencia de Hildegard von Bingen, cuya música fue transcrita y preservada en la Iglesia por quienes la veneraban, el nombre de Otomae en la sociedad secular quedó eclipsado por el alto rango de su amanuense real, y su colección de sus letras, el Ryōjin Hishō, pasó a ser identificada con él en lugar de con ella.
Además, el nombre de Otomae llegó a
ser menospreciado—una mera artista— e incluso, difamado por historiadores
confucianos que asumían que todas las mujeres profesionales independientes sin
marido debían ser prostitutas. Cuando Otomae cayó gravemente enferma, Go-Shirakawa
cantó imayō a su lado. Él mismo tomó votos budistas el año en que ella
murió y celebró ritos conmemorativos en su honor en los aniversarios de su
muerte.
Texto de Otomae No. 26 en el Ryōjin Hishō
|
仏は常にいませども Hotoke wa tsune ni imase domo
現ならぬぞあわれなる utsutsu naranu zo aware naru 人の音せぬ暁に hito no oto senu
akatsuki ni ほのかに夢に見えたまふ honoka ni yume ni mie tamau
|
Aunque el
Buda siempre está presente,
es una
lástima que no aparezca.
En el
silencioso amanecer, lo veo débilmente en un sueño.
Texto de Otomae
No. 177 en el Ryōjin Hishō
|
極楽浄土のめでたさは Gokurakujōdo no medetasa wa 一つも空なることぞなき hitotsu mo ada naru koto zo naki 吹く風立つ波鳥もみな fuku kaze tatsu nami tori mo mina 妙なる法をぞ唱ふなる taenaru nori o zo tonau naru
|
La alegría
de la Tierra Pura nunca está vacía;
el viento
sopla, las olas se levantan,
todos los
pájaros cantan las maravillosas enseñanzas.
LA MAGIA DEL BAMBÚ JAPONÉS Y TURCO
UNIVERSO FLAMENCO ACOMPAÑADO DE FLAUTA TRAVESERA Y SHAKUHACHI, POZUELO DE ALARCÓN, 28 FEBRERO 2026 19:00h.
SEMINARIO DE SHAKUHACHI EN BELLE-ÎLE-EN-MER, 22-25 MAYO 2026
Enlace aquí
LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA Y EL SHAKUHACHI
El Shakuhachi no solo es un instrumento empleado en el Honkyoku tradicional o en el Minyo (música popular japonesa) sino que también puede fusionar la música tradicional con estilos modernos e incluso electroacústicos. Es entre los años 1960 y 1970, que el shakuhachi comienza a captar la atención en otras fronteras. Muchos músicos y compositores se han atrevido a explorar nuevos paisajes sonoros.
Esta ola de interés global también abrió nuevas perspectivas para el sonido y las técnicas del shakuhachi. Los músicos empezaron a adaptar sus actuaciones a contextos no tradicionales, mezclando sus tonos con música electrónica, jazz y rock. El legendario intérprete de shakuhachi japonés-estadounidense Kazu Matsui y su enfoque innovador (integrando jazz y música experimental) se convirtió en una figura central en la popularización del instrumento entre el público occidental.
Campos de exploración :
• Fusión y Nuevos Medios: Jazz, rock, pop y videojuegos, obras cinematográficas como, por ejemplo: El último samurái, Memorias de una geisha o El último emperador, Braveheart y Jurassic Park.
• Experimental y vanguardista: Las composiciones modernas utilizan diversas longitudes de flautas (por ejemplo, flauta en Do, flauta en Sol, 2,4 shakuhachi) para variar los colores tonales, a menudo utilizando técnicas poco convencionales. Pero cuanto más conocido es el shakuhachi en Occidente, se hace evidente para el compositor occidental el problema de la notación.
La notación tradicional del shakuhachi, que es única del instrumento, utiliza una combinación de tablatura, instrucción verbal y símbolos gráficos idiosincráticos que varían de un linaje a otro.
En el pasado reciente, compositores como Toru Takemitsu, Minoru Miki, Maki Ishii y antes incluso Henry Cowell intentaron anotar música nueva para shakuhachi usando la notación occidental estándar.
En la obra de Takemitsu, se observan muchos trazos de músicas diferentes como la de Berg, la de Debussy o la del jazz. Mas que hablar simplemente de la influencia, tendríamos que comprender esta actitud como el método de composición/creación de Takemitsu donde busca sus ideas confrontándolas con las de otros en un intento de comunicación.
“Se dice a menudo que la música es un lenguaje universal. Sin embargo, a fuerza de crear música, me he dado cuenta de que la música no era un lenguaje tan universal como creía. Sobre todo, desde que descubrí que la música japonesa es radicalmente diferente de la occidental, que se basa en una estructura más lógica, comienzo a decirme que un lenguaje es algo que no permite tan fácilmente la comunicación”
[Toru Takemitsu, situation, héritage, culture de Wataru Miyakawa]
Un ejemplo más cercano a nuestras latitudes es el compositor Ramon Humet, quien ha compuesto obras como Desert o Interludius Meditatius en los que el Shakuhachi es uno de los protagonistas principales de la mano de los maestros Horacio Curti, Kaoru Kakizakai.
• Conciertos visuales e interactivos: Artistas como el caso de Akito Obama (uno de los miembros de The Shakuhachi 5) que pasaron de la música folclórica a la improvisación (grupo "Lotus Position" junto al batería Akira Horikoshi) buscando incorporar melodías y estéticas japonesas y apuntar a la música nueva de Japón. O proyectos que involucran diseñadores audiovisuales (por ejemplo, Tei Blow) combinan repertorio tradicional que abarca 4 siglos con visuales modernos y nuevos encargos.
• Proyectos transdisciplinares: Se exploran lenguajes musicales contemporáneos, a menudo no japoneses, a través de colaboraciones con orquestas, conjuntos y bailarines, centrándose en el sonido más que en la forma tradicional.
• Repertorio y interpretación modernos: Los compositores crean nuevas obras para el instrumento, como piezas de Elizabeth Brown o Atsuki Sumi.
• En lo que se refiere a eventos internacionales, tenemos el "Festival Internacional Shakuhachi de Praga" que se celebra en la República Checa (14 veces hasta 2023). Este festival de música resulta atractivo por su programa avanzado, que incluye no solo música clásica sino también mucha música contemporánea shakuhachi. En particular, se presentarán muchas obras nuevas de compositores checos para shakuhachi e instrumentos japoneses.
¿POR QUÉ EL SHAKUHACHI?
¿Shak qué..?
Explicación sencilla : es una flauta de bambú perteneciente a la música tradicional japonesa y su nombre viene de una medida, la longitud estándar del instrumento en unidades de medición tradicionales, 1 shaku, 8 (hachi) sun, que es de 1,8 pies japoneses o 54,5 centímetros.
Pero si se quiere entender qué es, yo prefiero invitar a escucharlo primero, preferiblemente en vivo y en directo, pero una buena grabación también serviría, como fue el caso para algunos de nosotros.
Y es que cuando se escucha por primera vez, mucha gente queda sorprendida, emocionada, enganchada por su sonido. ¿El motivo? Pues no sabría dar una respuesta válida para todos; pero en mi opinión, no solo es su sonido en sí, grave y profundo e íntimo gracias a la importancia de su técnica con los timbres o tone-colour, lo que puede atraer el interés; sino todo lo que conlleva su estudio, el camino, la vía o la filosofía que implica, el Dō (dicho en términos japoneses).
Su forma de enseñarlo de maestro a alumno es una relación sineh ve sineh (سینه به سینه como dice una expresión en persa), de pecho a pecho, de corazón a corazón, de respiración a respiración. Originalmente, el alumno escuchaba e intentaba posteriormente repetir lo oído pues no había partituras. También hay quien comienza de manera autodidacta hasta encontrar posteriormente un maestro.
Desde sus inicios hasta la época contemporánea, han surgido grandes intérpretes y compositores, hay quien toca desde las piezas del Koten Honkyouku (Repertorio Clásico) hasta Salsa o el Jazz, y hay quien se mueve entre lo tradicional y lo experimental.
En un principio muchos no comenzamos con grandes expectativas, no es un instrumento fácil, no nos engañemos, es exigente. Le has de dedicar horas de concentrado estudio, repetir, afinar el oído, grabarte y desesperarte de tanto en tanto. Pero cuando sale bien, te olvidas de todo, así de gratificante es.
Todo esto quiere decir que exige una transformación o «afinación» no solo de tus sentidos, sino también de tu cuerpo (posición, memoria de digitación, respiración adecuada en cada momento…) y mente (estar presente en cada nota, sin que tu cabeza se dispare apresurada hacia la siguiente, cosa que suele ser mi talón de Aquiles…) de hecho, muchos lo combinan con la meditación, no en vano existe el proverbio Ichi on jô butsu (alcanzar la iluminación con un sonido) y también de un poco de humildad, no siempre quien domine la técnica sabe darle alma o darle el Ma adecuado (el ma (間) es un concepto japonés fundamental traducible como: espacio, pausa, intervalo o vacío. No representa la ausencia de contenido, sino un umbral espacio-tiempo, necesario que da sentido, estructura y armonía a los elementos que lo rodean).
Hace
poco leí en la publicación Hogaku Journal Digital (Vol. N. 468), que
existe cierta inquietud ante el futuro de la música tradicional en Japón.
En
el caso español, además de J-Pop y la cultura anime, (aún recuerdo el éxito que
tuvo el concierto de Ado en el Palau Sant Jordi el 2025) también se pueden
encontrar grandes Shihan, maestros de shakuhachi, así como fabricantes
de este instrumento y, sin embargo, el camino es pausado y quizá hayan de pasar
más años para que el interés (no solo del público, también de los circuitos
artísticos) sea mayor. Os adjunto el enlace a un artículo sobre la situación
del shakuhachi en España escrito ya algunos años, por el maestro Horacio Curti,
uno de los pioneros en la enseñanza y divulgación de este instrumento en este
país.
El
Shakuhachi en España – Una breve descripción del estado de la cuestión
Encontrar
un maestro no suele ser muy difícil gracias a las redes sociales o a internet, pero
la verdad es que, como estudiante de shakuhachi, una se encuentra algo
solitaria a la hora de compartir inquietudes, dudas, aparte de con tu maestro.
Con el tiempo consigues contactar con más gente, dispersa en otras comunidades
lo cual te hace pensar que tampoco eres un bicho raro.
Incluso en Paris, paseando por un parque me he encontrado con una persona practicando como lo más normal del mundo…
A
pesar de todo, esta sensación de Y por qué me he metido en esto…, se va
superando gracias al amplio abanico de sensaciones, alegrías, retos que
conlleva su estudio. Además de hacernos conocer otra visión y otro saboreo de
la vida, de las artes, etc.
Asimismo,
siempre hay la posibilidad de encontrar algún grupo, o plataforma o asociación
que nos permita aprender, compartir y a su vez, aportar a los demás, sin
importar el nivel en el que te encuentres, como ya dije, su estudio implica
también un proceso de transformación interno, al cual muchos estamos dispuestos
a seguir, a ritmo de cada uno, por mucho tiempo aún.
Así
pues, todos nos vemos tocando por muchos años y si alguien interesado en
aprender a tocar este instrumento, nos preguntara qué le aconsejaríamos, sería:
¡Adelante! Busca un buen maestro y prepárate para un largo viaje con la
paciencia y la perseverancia en tu mochila.
Y
ojalá que se promuevan más actividades relacionadas con esta música, que
favorezcan su conocimiento, y que despierte y estimule las ganas de conocer
más.
Finalmente, no quiero dejar de agradecer a los amigos con los que comparto el amor por el shakuhachi, por sus aportaciones a este artículo.
Os invito a escuchar algunas de nuestras piezas favoritas:
Daha - Honshirabe - Sanya - Shingetsu - Sokakureibo - Shikanotone - Tamuke - Tabibitono uta -
Los meikyoku kissa (名曲喫茶), o «cafés de música famosa», son una parte distintiva
de la cultura japonesa, especialmente en Tokio. Estos establecimientos
surgieron a principios del siglo XX y ofrecieron un espacio único para que los amantes de la música disfrutaran de la música clásica en un entorno de cafetería.
Kissas tan aclamados como Lion Cafe, han estado atrayendo la atención de medios de comunicación y turistas últimamente, y algunos lo califican como el «peor y mejor guardado secreto de Tokio».
Una breve historia de estos establecimientos
maravillosamente únicos puede ayudar a contextualizar por qué son tan venerados
por entusiastas y habituales, pero también tan a menudo malinterpretados por
los visitantes no japoneses.
Orígenes y desarrollo
El concepto de
meikyoku kissa comenzó a tomar forma en el periodo Taishō (1912-1926) y ganó
popularidad durante el inicio del periodo Shōwa (1926-1989).
Inspirados en la tradición europea de los cafés musicales,
estos establecimientos ofrecían un espacio donde los clientes podían escuchar
grabaciones de música clásica de alta calidad. Esto resultaba especialmente
atractivo en una época en la que poseer colecciones personales de este tipo de
música era difícil y costoso.
Tras la Segunda Guerra Mundial, experimentaron un aumento significativo en popularidad. Tokio, en particular,
fue testigo de una proliferación de estos cafés.
Durante la reconstrucción de posguerra, estos cafés
ofrecieron un refugio sereno y culto en medio del caos de la reconstrucción de
la ciudad. Eran frecuentados por intelectuales, estudiantes y aficionados a la
música clásica que buscaban consuelo e inspiración.
Los meikyoku kissa desempeñaron un papel crucial en la
difusión de la música clásica en Japón. Servían como espacios educativos
informales donde la gente podía ampliar sus conocimientos y apreciación
musical.
Estos cafés solían contar con impresionantes sistemas de
sonido y extensas colecciones de discos de vinilo, creando una experiencia
auditiva inmersiva.
Características
El ambiente en los
meikyoku kissa suele ser tranquilo y contemplativo, lo que anima a los
asistentes a centrarse en la música. Normalmente se desaconseja hablar para
mantener un ambiente sereno.
La decoración interior suele incluir muebles de madera
oscura, iluminación tenue y, a veces, pósteres europeos vintage o fotografías
de compositores famosos.
La selección musical de estos cafés es predominantemente
música clásica occidental, que abarca desde el barroco hasta el romántico y
piezas de principios del siglo XX.
Algunos establecimientos pueden aceptar peticiones de
clientes habituales o seguir un calendario fijo de composiciones y grabaciones
destacadas.
Algunos famosos en Tokio incluyen el mencionado Lion Cafe en Shibuya (fundado en 1926), que es uno de los más antiguos y venerados de su tipo.
Otro café destacado es Violon en Yushima, conocido por su
vasta colección de discos de vinilo, bebidas baratas y un ambiente acogedor y
nostálgico que también ofrece música en directo en ciertas noches.
Declive y resurgimiento
A finales del siglo XX, comenzaron a
decaer debido a diversos factores como el auge de las opciones de
entretenimiento modernas, cambios en los hábitos sociales y la mayor
asequibilidad de los sistemas musicales personales.
Muchos de estos cafés cerraron a medida que sus clientes
envejecían y la generación más joven mostraba diferentes preferencias
musicales.
A pesar del declive, en los últimos años ha habido un
resurgimiento del interés por los meikyoku kissa. Este resurgimiento está
impulsado en parte por una renovada apreciación por los discos de vinilo y las
experiencias retro entre los jóvenes, tanto locales como extranjeros.
Han abierto algunos cafés nuevos, combinando los elementos
tradicionales del meikyoku kissa con toques contemporáneos para atraer a un
público más amplio.
Legado
Siguen siendo una parte icónica del paisaje cultural de Tokio, simbolizando la
rica historia de la ciudad en la apreciación de la música clásica occidental.
Siguen ofreciendo una escapada única y tranquila del
bullicioso entorno urbano de la ciudad, preservando una importante tradición
cultural mientras se adaptan suavemente a los gustos contemporáneos.
Para más información sobre los Kissaten
ESCUELA DE VERANO DE LA EUROPEAN SHAKUHACHI SOCIETY - ATENAS 23-26 JULIO 2026
EUROPEAN SHAKUHACHI SOCIETY - SEMINARIO 14-15 DE FEBRERO 2026 ON-LINE
TOCAR JUNTOS E IMPROVISAR
Tocar juntos
En la formación musical tradicional (de Conservatorio), basada en lectura y escritura musical, se le da mucha importancia a la música de cámara, entendida esta como cualquier agrupación de intérpretes que no llegue a superar lo que entendemos como pequeña orquesta y que no necesite una persona al frente para coordinar.
Cuando se toca música escrita, se precisa destreza en la lectura de todas las partes, no solo de la propia. Tan importante como lo que uno toca es lo que tocan los demás. Además, hay que saber qué función (armónica, melódica, rítmica) tiene cada parte en el conjunto y en qué momento la voz de uno debe destacar, estar por debajo o fundirse con las otras. Por tanto hay que conocer la música de uno mismo lo suficientemente bien como para poder liberar la atención, escuchar todas las partes e interactuar con ellas según las intenciones de la pieza.
El dúo de instrumentos melódicos es lo más sencillo: puede haber momentos en los que uno canta mientras el otro acompaña con notas más largas o ritmos repetidos; más adelante se pueden invertir los papeles y también puede haber secciones en las que los dos instrumentos se muevan paralelamente, con importancia igual. La sensación es la de ir tejiendo juntos una trenza o la de bailar en pareja: no puede salir bien si no se coordinan los movimientos.
Cuando aumenta el número de intérpretes, las posibilidades de textura de tríos, cuartetos, etc. se multiplican, así como la riqueza de volúmenes y timbres. Puede haber voces paralelas sobre un colchón armónico, melodía de un solista acompañada por todos, texturas contrapuntísticas intrincadas, construcciones minimalistas donde todos aportan rellenando individualmente los silencios de los demás… Todo depende de la imaginación del compositor. En cualquier caso, la atención al grupo y el conocimiento profundo de la parte propia son imprescindibles para una interpretación fluida y viva.
Un caso especial es el acompañamiento de un instrumento melódico por otro armónico, como el piano (“una orquesta en blanco y negro”, dijo alguien). Incluso en niveles profesionales se presupone que el acompañante será capaz de adaptarse a los cambios improvisados (especialmente de velocidad) o errores que el solista pudiera cometer (saltos de sección, olvidos…). Y además, los instrumentos armónicos son melódicos a la vez y, en el repertorio clásico occidental, tienen partes de diálogo en pie de igualdad con el instrumento al que acompañan (p. ej. la mano derecha del clave en las sonatas de Bach).
La improvisación
En la improvisación es especialmente importante la escucha atenta, porque el material no está fijado de antemano. O sí. O solo en parte. O lo que está fijado es el procedimiento, pero no el material. O ninguna de las dos cosas. Hay muchas maneras de abordar la improvisación.
Hay improvisación desde que hay música.
Una forma sencilla de empezar a improvisar es ornamentar una pieza dada. En la música escrita pero no solo en ella- hay muchas posibilidades de intervenir en las notas. Trinos, semitrinos, gruppetti, mordentes y todo tipo de rellenos entre intervalos son algunas de las posibilidades.
Todas ellas, durante cientos de años, se han dejado al buen gusto del ejecutante, a quien se supone conocedor del estilo, de su instrumento y de sus recursos técnicos e interpretativos. La ornamentación es propia de la música medieval, renacentista y barroca, pero también del folklore, del flamenco y del jazz y estilos derivados.
El paso siguiente es la variación, que a menudo se ha puesto por escrito, pero que no deja de ser una forma de enriquecer ornamental, melódica o armónicamente un material dado (el llamado “tema”). Las variaciones como las conocemos habitualmente se tocan una a una a continuación del tema, pero hay estilos en los que una voz variada se superpone a la original y de esta manera se genera una textura heterofónica de lo más interesante.
Lo siguiente es la construcción de un auténtico material propio. Y eso tiene tantas posibilidades como maneras hay de improvisar. En el jazz se suele decir que hay que conocer muy bien los acordes y las escalas que se derivan de ellos, y eso desanima a muchos de lanzarse. Es cierto que un buen conocimiento práctico -es decir, “en dedos”- es una ventaja, pero no es la única manera de generar una idea musical. Si ese conocimiento es limitado, se hace necesario utilizar la imaginación pues, si no hay desarrollo melódico-armónico suficientemente elaborado, se debe recurrir a otros parámetros para el desarrollo de la improvisación, particularmente el ritmo y las posibilidades tímbricas del instrumento.
Naturalmente, quien controle todas las opciones tendrá mayor capacidad de crear un discurso improvisado de interés, pero la creatividad, aunque sea solo sobre unos pocos recursos, da mejores resultados que la fría exhibición de las escalas y los acordes adecuados. A menudo el saberse ignorante de las bases teóricas lleva al bloqueo. El no saber qué tocar, por dónde empezar y, sobre todo, la comparación con quien sí sabe y el miedo a “hacerlo mal” nos paralizan. Evidentemente, una persona experimentada obtendrá mejores resultados con (aparente) facilidad, pero es importante ser consciente de que se puede improvisar con muy pocos recursos. La improvisación, como todo, se aprende y se practica desde lo más sencillo a lo más complejo.
Hay conceptos fundamentales del discurso musical que pueden ayudar a construir nuestras ideas musicales. Seguramente los conocemos, incluso inconscientemente, pues disfrutamos de ellos también en la escucha de músicas de cualquier género:
- La frase: el mismo concepto que en literatura, muchas veces asimilable a los versos en poesía por su construcción a base de ritmos y acentos. Admite infinidad de posibilidades: ascendente o descendente; repetida, literal u ornamentada; en forma de pregunta y respuesta; de extension mayor o menor, simétrica o desigual…
- La estructura de la pieza: las secciones donde uno es protagonista o acompañante, o donde se toca juntos. Puede pactarse previamente o puede crearse sobre la marcha. La repetición de frases y la vuelta al comienzo son recursos muy útiles, también en la improvisación no sujeta a normas.
- El desarrollo: es la elaboración y enriquecimiento del material original. En la música escrita del siglo XIX constituye los momentos más largos de sinfonías y conciertos de solista, donde el compositor exhibe su imaginación para crear un discurso trascendente a partir del tema o temas iniciales. En la improvisación también se da ese enriquecimiento a partir de una idea, en distintos niveles: de lo simple a lo complejo, de lento a rápido, de prudente a arriesgado…
- Las texturas: este concepto es un préstamo de lo táctil y visual hacia el mundo sonoro.
- Son creadas por la combinación de sonido(s) y silencio, ritmos, volúmenes sonoros y su variedad. Por ejemplo, el ritmo del solista sobre el acompañamiento: aunque se trate de una pieza rápida con muchas notas, puede resultar sugerente una melodía en notas largas. Lo contrario también es común y más propio de estilos virtuosos: muchas notas rápidas sobre un acompañamiento de acordes lentos o notas tenidas.
- La imitación es la forma en que han aprendido muchos jazzistas. Escuchar los solos de los grandes y transcribirlos o repetirlos. Tocar con ellos, sobre sus grabaciones. Analizar sobre el papel las armonías, escalas, ornamentos y otros recursos.
- Cuando algo te guste, repítelo. Retoma una célula rítmico-melódica, propia o ajena, haya parecido interesante. Desarróllala si puedes: muévela por los registros del instrumento, ornaméntala, cambia su velocidad o ritmo… Intenta volver a ella recurrentemente y crearás estructura en tu pieza.
- Para que tu improvisación no se parezca demasiado a la melodía original (en caso de haberla) constrúyela en sentido contrario: ascendente si era descendente y viceversa; ritmos rápidos donde había notas largas y al revés.
- Y por supuesto: escucha. Es tan importante como tocar. Es como mirar la carretera cuando conduces: necesitas coordinarte con los demás, atender a sus movimientos y velocidades. No te impongas (si no te toca). No estés tocando todo el rato, deja que suenen los otros. Y si te has perdido y no sabes por dónde va la música, para y escucha.
Interesante propuesta por parte de Labyrinth Catalunya:
Como parte de las actividades paralelas y regulares, y como
preludio al periodo primaveral del festival, anunciamos el inicio de una serie
de talleres temáticos en colaboración con el Centro Cultural.
En este primer ciclo tendrán lugar 4 sesiones quincenales, abiertas a todo el público:
🔹6/2 - Canciones y ritmos tradicionales de Grecia | Christos Barbas
🔸20/2 - Sistema Indio de improvisación modal | Jordi Prats
🔹6/3 - Introducción al makam | Georgi Dimitrov
🔸20/3 - Camins i sabors: _seyir_ i _çeşni_ al makam | Georgi Dimitrov
⏰ Viernes, de 17:30 a 20:00
📍Centro Cultural Deod, 2ª
planta. Calle d'Albareda, 22, Barcelona)
🎟️ Aportación libre
(sugerida de 15-20€/sesión)
📝 Inscripciones al
correo:
orquestralabyrinthcatalunya@gmail.com
Los talleres son independientes, habrá que especificar a cuál o cuáles se realiza la inscripción, aportando nombre, apellidos e instrumento.
Abiertos a cualquier instrumento y nivel de experiencia.
¡Os esperamos! 🎶
EL SHAKUHACHI O LA SHAKUHACHI EN FEMENINO
Normalmente oímos hablar del Shakuhachi, pero ¿Quién dice que ha de ser en masculino? No hablamos de LA flauta travesera?, quizá podríamos plantearnos utilizar también el femenino para este bello instrumento.
Aquí os dejo 3 vídeos de maestras de la Shakuhachi: Mamino Yorita, Hélène Seiyu y Véronique Piron.
Hélène Seiyou
Y ¿CÓMO SE HACE UN SHAKUHACHI?
Para aquellos que os preguntéis si es difícil o no crear de una caña de bambú, una flauta como el shakuhachi aquí tenéis algunos vídeos :
REFERENCIAS Y PROPUESTAS DE LECTURA
BAMBOO (European Shakuhachi Society Newsletter)
HOGAKU JOURNAL (Publicación solo en
japonés)
ETHNOMUSICOLOGY (encontrarás varias referencias a trabajos, bibliografía, etc. sobre la música en Japón)
Bibliografía General:
Algunas fuentes de artículos importantes :
- JSTOR
- MONUMENTA NIPPONICA
- ASIAN MUSIC JOURNAL (Universidad de Texas)
- ETHNOMUSICOLOGY (Universidad de Illinois)
Por otra parte, tenéis los siguientes títulos disponibles en librerías:
China:
- Zichu, Wang. Los Instrumentos Musicales Chinos, editado por el Ministerio de cultura de la República Popular China.
- Collection of Traditional Chinese Music, Ed. China Intercontinental A&V Press (contiene textos en inglés, francés, español, portugués, alemán, ruso, chino, coreano y árabe + 2 CD)
- Jin, Jie (2011) Chinese Music, Ed. Cambridge University
- Qiang, Xi & China Central Folk Orchestra (2011) Chinese Music and Musical Instruments, Ed. BetterLink Press Incorporated
- Farrow, Clare&Yue,Guo (2010) Música, comida y Amor: sabores y sonidos en la China de la Revolución Cultural, Ed. Kailas Editorial
Corea:
- Howard, Keith (2006) Preserving Korean Music: Intangible Cltural Properties as Icons of Identity Vol. 1 y 2, Ed. Ashgate Publishing Ltd.: Hants (England)
Japón:
- Tamba, Akira (1995) Músicas Tradicionales de Japón de los orígenes al siglo XVI, Col. Músicas del Mundo, Ed. Akal: Madrid (contiene 1 CD)
- Sugita, Satoshi (1972) Cherry blossoms and rising sun – a systematic and objective analysis of Gunka (Japanese War Songs) in five historical periods (1969-1945) en http://etd.ohiolink.edu/view.cgi?acc_num=osu1170788993, se puede descargar.
- Ferranti, Hugh de (2000) Japanese Musical Instruments, ed. Oxford University
- Shômyo: la lectura rítmica de los sutras es común en todos los países donde el Buddhismo ha enraizado, pero en cada país su expresión es diferente. Os adjunto link a la web de Junko Ueda, interprete de Biwa y residente en España, aquí encontrareis el folleto del taller que ofrece pero en él veréis un poco de información al respecto. http://www.junkoueda.com/es/shomyo.html.
Etnomusicología Asia Oriental:
- Picard, François (2006) Lexique des musiques d’Asie Orientale (Chine, Corée, Japon, Vietnam), Ed. You-Feng : Paris
- Brown, Steen-Wallin, Nils L.-Merker, Björn (2000) The Origins of Music, Ed. Massachusetts Institute of Technology
- Provine, R;Tokumaru, & Witzeben (2002) Garland Encyclopedia of World Music, Vol. 7 East Asia: China, Japan, Korea, Editores: Routledge: New York.
BREVE INTRODUCCIÓN AL SHAKUHACHI
A raíz del workshop organizado por la KSK Europe en el ESMUC en Barcelona, varios compañeros decidimos mantener el contacto pese a la lejanía. Dicho y hecho ahora somos una comunidad pequeña pero activa, con miembros repartidos entre España y Alemania y con el castellano como idioma de comunicación.
Está siendo una buena experiencia, ya que nos permite compartir dudas, artículos, información sobre actividades, grabaciones de nuestro trabajo, etc. Incluso hay quien se ha brindado a ejercer de reportero especial y mandarnos noticias de un evento en el que estaba participando, otro compañero ha organizado un encuentro on-line para practicar alguna pieza.
Lo bueno es que nadie está obligado a nada, todos contribuimos generosamente, y es un estupendo modo de mantener lazos no solo de estudio sino de amistad.
[Texto publicado en su versión inglesa en el European Shakuhachi Society Journal "Bamboo" Autumn-Winter 2025 ]
Hawwa Morales
BARCELONA - HIBANA BUNKA
Hibana es un punto de encuentro entre Barcelona y Japón. Un puente entre artistas, estudiantes y personas con curiosidad genuina.
Con mucha ilusión queremos invitarte al nuevo curso lectivo de Barcelona Taiko.
Este año comenzamos una nueva etapa y estamos muy felices de hacerlo desde nuestro propio espacio: HIBANA STUDIO, un lugar diseñado específicamente para el taiko y otros instrumentos tradicionales japoneses, pensado para estudiar, practicar y compartir música en las mejores condiciones.
📍 HIBANA STUDIO
Felipe de Paz 4, Les Corts · Barcelona
🥁 Taiko
* Clases regulares de iniciación
* Clases regulares para niveles intermedio y avanzado
* Talleres monográficos de nagado, shime, okedo, yokouchi, odaiko, chappa… y mucho más
🎵 Otros instrumentos tradicionales japoneses
* Cursos de tsugaru shamisen
* Cursos de shinobue
* Talleres de shakuhachi
⏰ Próximamente
Talleres de koto, minyō y buyō 🔥
🏢 Actividades especiales
* Team building para empresas
* Talleres docentes para colegios
Si te interesa participar o necesitas más información, puedes escribirnos directamente a:
📱 WhatsApp: +34 637 177 100
📧 barcelonataiko@gmail.com
📧 hibana.bunka@gmail.com
MR. DOWNLAND'S DREAM, UN VIAJE AL MUNDO MUSICAL DESDE EL MEDIEVO HASTA LA ACTUALIDAD
Esta pequeña joya es el resultado sin duda, de muchos años de trabajo y amor por la música, desde las primeras notas del Orpharion interpretado por Bor Zuljan junto con la voz de Clara Brunet i Vila, uno se ve trasportado a lo largo del tiempo desde los salones de las cortes europeas del s. XVI de la mano de John Dowland o Robert Johnson hasta el s. XX con las composiciones de Thelonious Monk o Pink Floyd.
Para más información: https://es.ulule.com/mr-dowland-s-dream/
18/01/2025 - CONCIERTO ON-LINE DE AÑO NUEVO 2025-2026 DE LA EUROPEAN SHAKUHACHI SOCIETY
2026 es un Umadoshi, o Año del Caballo, y aunque el primer día del "año del caballo" cae el 1 de febrero, nos adelantamos con entusiasmo y les damos la bienvenida al Concierto de Año Nuevo de la ESS el 18 de enero de 2026.
Contaremos con grandes artistas que abarcarán diversos estilos presentes en Europa. El concierto comenzará a las 14:00 CET y se espera que dure alrededor de las 16:00.
Tradicionalmente, se cree que el Año del Caballo es un momento para emprender nuevos retos, tomar decisiones audaces, viajar y avanzar en la vida. ¡En ese sentido, les deseamos mucha suerte en todos sus proyectos!
El registro para el público ya está abierto.
Utilicen el formulario a continuación para reservar su plaza gratuita en Zoom.
https://events.shakuhachisociety.eu/event-3/ess-concert/
El registro cierra el 18 de enero a las 10:00 CET.
Para más información sobre el programa: https://events.shakuhachisociety.eu/event-3/schedule-3/
El enlace de Zoom se les enviará unas horas antes del inicio del concierto a las 14:00 CET (consulten también la carpeta de correo no deseado). ¡Nos vemos allí!
[Información facilitada por uno de los artistas que participará en el concierto, Alfredo García Martín-Córdoba, profesor de flauta travesera en la Escuela Municipal de Música de Tres Cantos (Madrid) y en Getafe, miembro del Dúo Huedo-Córdova para conocer sus proyectos aquí tenéis el enlace: https://youtu.be/IiDkVOnZC8w?si=O76mwWEx4ah93YqI]
ZARAGOZA 23/01/2026 - PRESENTACIÓN Y LECTURA DE POEMAS DE MARÍA PILAR MARTÍNEZ BARCA ACOMPAÑADA DE MÚSICA CON SHAKUHACHI Y PERCUSIÓN
No hay comentarios:
Publicar un comentario