sábado, 15 de enero de 2011

¿Por qué una obra de arte es moderna? ¿Qué hace que una obra sea “de su tiempo”?

1. ¿Que es “el arte”?

Sin lugar a dudas, no ha resultado ni resulta fácil a lo largo de la historia, ponerse de acuerdo en definir que es Arte y qué es una obra de arte, en tanto que el ser humano vive y reacciona ante lo que le rodea de forma diversa, su definición de la realidad solo será una descripción mas entre otras muchas.

De hecho, la “Historia del Arte” nace en Occidente y con el arte occidental como objeto de estudio; a partir del Modernismo se amplia este espectro hacia otras culturas y sociedades. La primera “Historia del Arte” surge de la mano del italiano Giorgio Vasari (Arezzo 1551-Florencia 1574) quien escribirá Las vidas de los más insignes pintores, escultores y arquitectos, compendio de biografías de artistas ordenados por orden alfabético desde la Edad Media hasta el s. XVI. Pero es con Johan Winckelmann (1717-1768) cuando este campo de estudio adquiere todo su peso, basado en el ideal griego de la educación por la belleza y la virtud (Kalokagathia - καλοκαγαθία).

El arte, como “habilidad o pericia para hacer algo” (ars en latín) que en la Grecia clásica consistiría en la búsqueda del ideal de belleza (por ejemplo las teorías de Platón) y en la Edad Media sería la manifestación de lo divino o sagrado, no pudiendo ser descrito por el lenguaje articulado; pasará a liberarse en la época contemporánea diversificándose y subjetivándose.

“There really is no such thing as Art. There are only artists”
(No existe realmente el arte, solo hay artistas – The Art Story,E.H. Gombrich)

Es partir del Renacimiento italiano, s. XV cuando se comienza a distinguir artesano y artista. En el pasado, muchas veces anónimo, no era más que el medio a través del cual la obra se realizaba; sin embargo, no por ser anónimo, dejaba de reconocerse el valor de su trabajo; en la cultura islámica, por ejemplo, muchos artesanos (principalmente en la antigua Persia) formaban parte de gremios constituidos por cofradías sufíes y solo podían ser incluidos una vez iniciados en ellas, ya que el talento del artista reside en la manipulación creativa de la multiplicidad, con el fin de dirigir la atención del espectador, o del lector, de vuelta a la Unidad divina. En el arte sacro, el ser humano puede hacer rememorar el origen sagrado, a través del elemento artístico como receptáculo del símbolo. Otro ejemplo lo tenemos en la masonería, cuyos símbolos y ritos están ligados a la arquitectura, otra manifestación artística muy relacionada con lo religioso.

Con la ilustración y la reivindicación del “Yo”, de la individualidad de la persona y por lo tanto de su obra, el concepto arte y artista entran en juego. Con la nueva era industrial (s. XVIII-XIX) entran en oposición el producto artístico y el industrial, nacen las academias de arte, las colecciones y los museos. Mientras tanto, es también a partir de entonces, que comienzan a surgir movimientos que rompen con todo aquello que se había dado por cierto e inamovible. Los filósofos de la sospecha, encabezados por Nietzsche o Marx, plantean principalmente dos preguntas alrededor de las cuales girará el interés de los europeos: ¿Qué es la Verdad y qué es el Ser?, cual es el papel del ser humano en el mundo y por lo tanto, cual el tipo de relación entre el Yo y las cosas.

Dos aspectos, en mi opinión, serán los que enlacen las diferentes corrientes de pensamiento: la acción y la comunicación.

Por acción quiero decir, el modo en que el ser humano actúa ante el mundo; por comunicación, el medio a través del cual se relaciona con ellas.

A esta última parte, es a la que me gustaría referirme al hablar del Arte. Como dirá Gadamer “la comprensión de la cosa es posible cuando se habla de ella”, y el arte es también un modo lenguaje que implica un ejercicio hermenéutico.

2. El lenguaje, nuestra mirada: La Teoría del Juego

“La lengua, o mejor, la competencia lingüística es un invento biológico, es una sofisticación del sistema de comunicación que permite la aparición de la cultura como instrumento para responder a las modificaciones del medio o crearlas, si conviene, sin precisar modificación morfológica ninguna. El pasado se interpreta como una marcha progresiva hacia la propia cultura; y el futuro como el perfeccionamiento de esa misma cultura. Las culturas actúan de esta forma no por criterios racionales o de valor, lo hacen por necesidad funcional. Esa necesidad funcional implica una epistemología: la realidad es lo que la cultura establece que es.” (M. Corbí) (1)

Siguiendo con los filósofos de esta época, Levi-Strauss apuntará al hecho de que la acción humana tiene significado porque es un sistema de conexiones o símbolos, así pues, nuestras interpretaciones y lecturas de las realidades no son mas que el resultado de unas convenciones en las que se nos ha inculcado en el colectivo al que pertenecemos.

Una tribu aborigen de Australia verá en una figura de animal realizada en madera la representación del alma de la misma tribu(2) , mientras que un europeo no verá mas que una figura de madera ejecutada y pintada de tal o cual forma. Para el primero la figura inspirará un sentimiento de sacralidad, para el segundo, simplemente puede que le agrade o que no le diga nada o que lo considere como mero objeto de estudio, es decir, desde una perspectiva etic(3) . Solo, si se conocen las reglas, o sea, desde la perspectiva emic(4) , se puede apreciar la obra, aunque hay obras que, por sus características propias son capaces de despertar en el espectador la intuición de que, sin saber el porque, algo hay, recordando las palabras de Wittgenstein “No pienses mira!” según el cual no hay problemas filosóficos sino problemas de lenguaje, de interpretación, ya que cada pensamiento nuestro no es mas que una pintura que nosotros mismos nos hacemos(5) . Bergson en su introducción a la metafísica (1903) escribirá que la inteligencia solo puede llegar a captar el incesante cambio de dirección de la “realidad móvil” gracias a la “intuición”, captando la “vida interna de las cosas”.

Totem Te Puia (Nueva Zelanda)
http://photos.igougo.com/pictures-photos-m594574-p304319-Te_Puia_Totem.html

“Una obra de arte es una pieza. Y una pieza no necesita ser un objeto estético, ni tan solo ser un objeto” Timothy Binkley
3. Echando una mirada atrás

Pero todo esto no es posible verlo mas que en perspectiva, normalmente la historia se ha entendido como una serie de devenires lineales, siendo uno resultado del otro; no obstante, el sentido de la historia no es el mismo siempre. Así, para la cultura china, la historia es un ciclo, con diferentes personajes y acontecimientos pero que repiten en cierta manera un mismo patrón; para otras culturas, sería la repetición de un acontecimiento metahistórico que en su constante renovar cíclico (o en espiral), como diría Réné Guénon, marca el eterno retorno de un pasado mítico fundador.

La mejor manera de ver las cosas dicen, es, distanciándose de ellas, si echamos una mirada atrás y estudiamos la ruta que han dejado nuestras huellas en el tiempo, es obvio que no dibujarán una línea recta, habrá retrocesos, cambios de sentido, deambulares alrededor de un mismo punto. Lo mismo ocurre con el arte, un movimiento artístico no es necesariamente la evolución hacia otro completamente distinto, puede ser una recreación de otro anterior, o un maridaje entre un antiguo concepto y uno nuevo. En todo caso, la destrucción no necesariamente implica abolición absoluta, también puede ser un nuevo inicio del proceso de creación.

4. ¿Qué es el Modernismo? ¿Qué es la Modernidad?

Así pues, cuando hablamos del Modernismo, ¿A que nos estamos refiriendo o en que nos basamos para catalogar una obra u otra de Moderna o Modernista? ¿Donde empieza lo moderno y donde acaba? Comúnmente moderno es todo aquello opuesto al pasado, indica por lo tanto avance y progreso, de acuerdo con la sintonía racionalista, moderno es todo aquello que rompe con las ataduras de una cultura sometida a unas normas basadas en la cosmovisión agrícola. La máquina se impone sobre la naturaleza, el hombre es el centro del mundo. No obstante, no siempre fue bien visto, también adquirió un sentido peyorativo para aquellos que lo veían como una ruptura con la tradición y por lo tanto, su traición.

Moderno en su acepción etimológica quiere decir “reciente, actual”, así pues, podemos decir, que toda obra realizada en una época es moderna en cuanto a ésta; es por lo tanto, una obra de su tiempo, aunque intente recrear los paradigmas estilísticos de otrora. Por ello, difícil es limitar hasta donde podemos marcar el límite cronológico de lo “moderno”; pero puesto que vivimos en una sociedad dirigida por convenciones, se han dado una serie de respuestas facilitando las características que hacen de una obra, una obra modernista, aún cuando estas realizaciones sean diferentes la una de la otra, lo cual no tiene nada de raro ya que junto con la revolución industrial y las nuevas ciencias y tecnologías, nuestra sociedad (y me centro en la europea) se ha visto imbuida en una serie de cambios rápidos y convulsos en los que nada dura por mucho tiempo:

- Los personajes han de seguir la moda del momento
- Importancia del “sentido” de la obra
- No existe un foco de atención concreto en la obra
- Libertad para explorar nuevas técnicas y composiciones (el nacimiento de la fotografía substituye al retrato)
- Influencia de la pintura japonesa Ukiyo-e (los temas favoritos se refieren a la vida cotidiana, a las mujeres, actores (Kabuki) o paisajes, entre los que destacan las vistas del Fuji) y su carácter de instantaneidad: un gesto, el movimiento de las olas, etc.

“Yo entiendo por “modernidad” lo que es efímero, huidizo, contingente, aquello donde una mitad es arte y la otra mitad es eterna e inmutable”.
(Baudelaire, Charles (1994), El pintor de la vida moderna. Murcia. Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Murcia. Col. de arquitectura, 30. 2ª impr., pag. 13)
Wanderer above the Sea of Fog
Autor: Caspar D. Friedrich 1818; Oil on canvas, 94 x 74.8 cm; Kunsthalle, Hamburg
http://www.artchive.com/artchive/F/friedrich/sea_of_fog.jpg.html



La Gran Ola en Kanagawa
Autor:Katsushika Hokusai 1823-29 ; oleo sobre tabla, 25 x 37 cm.; Metropolitan Museum
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/11888.htm

Con Corot y la escuela de Barbizon (1830-1870) el artista comienza a abandonar las técnicas renacentistas centrándose en la luminosidad y en la simplicidad creando obras frescas y nuevas. Los impresionistas seguirán esta línea basando su obra en la naturaleza y liberando los cuerpos de los cánones renacentistas. Manet con su obra “La merienda campestre” será la avanzadilla de este movimiento.

Luncheon on the Grass.
 Autor: E. Manet, 1863, 81 x 101 cm.; Musee d'Orsay
Cada pintor investigará en distintos campos y temas, algunos conservarán cierto “clasicismo” en la temática de sus obras como por ejemplo Monet, quien, aún rompiendo con las guías clásicas de la pintura, mantendrá el concepto de bodegón en su obra “Almuerzo en la yerba”.

Olímpia. Autor: E. Manet, 1863. 130 x 190 cm.
Oleo sobre tela. Musée d'Orsay, París



Pero a este nuevo posicionamiento surgirán nuevas iniciativas pidiendo mas emoción, más expresión. Los post-impresionistas como Cézanne, Gauguin, Van Goth o Seurat buscarán una visión mas subjetiva de la realidad.


5. Construcción-deconstrucción de la modernidad

“El hombre moderno está condenado a la novedad y por lo tanto, a la discontinuidad”
- Walter Benjamin -

Los constantes cambios sociales, la crisis tras la 1ª Guerra Mundial, los avances tecnológicos que vivirán un nuevo renacimiento, todo contribuirá a la necesidad de dejar atrás los movimientos artísticos como el romanticismo, el realismo y el impresionismo dando paso a las vanguardias a principios del s. XX. Del 1900 al 1950 el alejamiento de la realidad tal como se conocía, llevará a explorar en otras formas (Cubismo, Fauvismo) y a buscar en la psiqué y las emociones (expresionismo, surrealismo) hasta abandonar el figurativismo por las formas mas nebulosas hasta la abstracción total, tras el impresionismo de Monet y Van Gogh liberando formas y volúmenes, surge “l’art pour l’art”, el arte por el arte. La libertad del artista no impidió sin embargo, la manipulación del arte por los poderes políticos (propaganda soviética o la nacional socialista de Hitler).

“¿Te has alistado como voluntario?”
Dimitri Moor
Entre los distintos rostros de esta nueva posición ante el arte, el Fauvisme buscará la pureza la línea, el equilibrio entre color y forma como modo de expresión, Kandinsky (1866-1944) buscará la improvisación huyendo de lo natural, será considerado como el padre del arte abstracto. Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) recrean un estudio analítico del cubismo basado en la fragmentación.
Toda crisis comporta una huida que normalmente es hacia delante o hacia atrás, y esto será palpable también en el arte. Uno de los movimientos mas significativos de esta época es el sistema DD, como escribirá Louis Aragón “El sistema DD os hará libres, romped todo.” Efectivamente se romperá con todo, inclusive con el Dadaísmo mismo dando paso al Surrealismo.

Composition
Wassily Kandinsky (1925)
Bauhaus-Archiv, Berlin



Les demoiselles d'Avignon
Pablo Picasso (1907)
Museum of Modern Art, New York
El post-impresionismo irá más allá y rechazará las limitaciones, esta vez abandonando el retorno a la naturaleza y dando prioridad a la expresión de una mayor expresividad y emoción, mayor subjetividad.

Con la post-modernidad así como con la sociedad post-índustrial, una vez más un nuevo mito sacrifica el anterior, el hombre ya no es quien dirige la historia ni el progreso es el ideal, los ideales como el comunismo no son mas que utopías y se rompe con la tiranía de la racionalización. El consumismo es rechazado y se vuelve a lo natural. Nacen el Pop Art con el retorno a la figuración, Lyotard hablará de la crisis de los “grandes relatos”, es decir, de los discursos filosóficos o ideológicos hasta entonces defendidos como “la solución de todos los males”. Al igual que la crisis de los grandes relatos ya se había dado con la Ilustración y la prevalencia de la razón sobre el lenguaje mítico en el cual se basaba la sociedad de entonces, las nuevas creencias como el comunismo o incluso el liberalismo, habían demostrado no ser tan sólidas como parecían; el ideario de que todo, ciencia, tecnología, arte, estaba al servicio del ser humano ya no es valido. El post-modernismo fue un intento de liberarse de todo ello, ya que todo era construcción humana, lenguaje, contexto social, etc, nos señalan al ser humano como no-natural.

El lenguaje mismo es como ya dijimos en el inicio de este trabajo, tema de discusión entre los filósofos: Husserl manifestará que la voz se encuentra más próxima a la manifestación de lo percibido como “real” menospreciando la escritura por ser está el paso siguiente a la voz y por lo tanto, menos directa a la intención inicial, haciendo lo “real” menos “presente”. Derrida por su lado, dirá que si todo aquello de lo que hablamos es siempre “el otro” (como dirá Lacan en su teoría del “faltante”), éste siempre estará ausente, por lo que no se puede privilegiar la voz, como expresión pues todas hablan de algo ausente. En todo caso, lo escrito lo compara al mundo, el mundo es un libro, a través del cual el lector “viaja” interpretando los signos, como también señalamos en el primer punto de este trabajo “¿Qué es el arte?”, se tratará de un ejercicio hermenéutico. En relación al concepto de “el otro” y la palabra, Derrida comentando un film sobre él mismo dirá “cette parole (su discurso en el film) était déportée. La déportation, toutes les déportations, tous les déplacements, l’exil, «l’ailleurs», le «d’ailleurs», l’ailleurs du «d’ailleurs», la digression, le en plus, le d’ailleurs, le venu d’ailleurs, l’autre part, l’autre part de moi-même(6) » . De aquí surge un nuevo concepto, el de “différance"(7) (la diferencia) en el que aúna lo distinto y lo diferido. Donde las realidades no son mas que diálogos específicos con el tiempo, con sus ritmos. Esta différance solo puede ser descubierta a través de la “deconstrucción”:

« Il faut entendre ce terme de “déconstruction” non pas au sens de dissoudre ou de détruire, mais d’analyser les structures sédimentées qui forment l’élément discursif, la discursivité philosophique dans lequel nous pensons. Cela passe par la langue, par la culture occidentale, par l’ensemble de ce qui définit notre appartenance à cette histoire de la philosophie. » (Derrida)(8)

En lo que se refiere al llamado Nuevo Mundo, tras la crisis económica del 1929, la política de bienestar en la que el consumismo arranca una carrera desenfrenada, marcarán el arte. Los artistas se dividirán en aquellos ”comprometidos con la nueva sociedad capitalista” al servicio de la misma y aquellos en contra del capitalismo. El gran centro de producción de arte de esta época será Federal Art Project(9) (1939-1949) que propiciará obras caracterizadas por la denuncia social, como las obras de Thomas H. Benton y de creación de un arte propiamente norteamericano. Otro de sus miembros mas destacadas será Pollock quien dirá: “Mi pintura no proviene del caballete. Prefiero clavar el canvas desplegado en la dura pared o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me encuentro mejor. Me siento mas cerca, mas parte de la pintura, puesto que de esta forma puedo caminar alrededor de ella, trabajar por los 4 costados y literalmente estar en la pintura"(10) . Algunas de las obras mas importantes serán realizadas los murales en edificios públicos siguiendo como ejemplo los realizados en México.

Bernece Berkmann (no dates available)
South Chicago Series #2, 1937
opaque watercolor on paper, 20 by 30 inches
Illinois State Museum collection



History of Southern Illinois Paul Kelpe
Illinois Federal Art Project, WPA, ca. 1935-39
Mural de la Southern Illinois University Library




En general, la materia en el arte cobra mayor importancia, intensificándose a medida que el arte figurativo es abandonado. Se exploran nuevas formas: “El artista estudia amorosamente su materia, la explora hasta el fondo, espía su comportamiento reacciones; la interroga para poderla dominar, la interpreta para poderla domar, la obedece para poderla someter; profundiza en ella para que revele posibilidades latentes(11) …”

6. Conclusiones

La apreciación del arte, su función y su valor estará irremediablemente ligada a la experiencia que la humanidad tenga de su entorno en su deambular por ese concepto al que llamamos “tiempo”. Las épocas no son mas que convenciones que el ser humano necesita como referencia y por lo tanto, no son ni universales, ni se encuentran fijadas imperativamente a un mismo periodo cronológico en todas partes. Es más, ni siquiera son ab-solutas, sino que la diversidad puede formar parte de ellas sin necesariamente dejar de ser auténticamente propias de su tiempo.

En el arte, cada movimiento, cada época, cada evolución, ya sea hacia el futuro y el cambio o hacia el pasado y la recuperación de viejos cánones, se da el mismo caso. Cada nueva etapa aportará a la anterior nuevo elementos o recreará antiguos que la enriquecerán: nuevas técnicas, distinta utilización de la luz, colores y formas, el abandono de las clásicas 3 dimensiones, el lenguaje simbólico y un nuevo sentido de la realidad, del espacio y el tiempo, la introspección de la psiqué del artista, las emociones, los miedos, los deseos, el mundo de lo onírico representado por lo femenino, la descontextualización….

Todas ellas son una invitación y una provocación para que el espectador juegue un nuevo papel. La obra de arte es arte y cobra distintos valores y lecturas gracias a la mirada del espectador.

Nuevas miradas y nuevas dimensiones, así el cubismo romperá con el espacio tridimensional del Renacimiento, con su continuidad. Ya no es el tema del cuadro el protagonista, sino todo el cuadro. Es el espacio del cuadro el que da sentido y continuidad a los elementos en ella plasmados. Un ejemplo de ello es la obra de Picasso “Violon, verre, pipe et ancre” o “Souvenir du Havre” cuyos distintos elementos no tendrán sentido vistos individualmente, pero expuestos a una visión conjunta cobrarán lógica.

De este modo cada nueva mirada reactualizará la obra haciéndola siempre moderna, pues el espectador no podrá evitar ser el resultado de su momento cultural y personal siempre que se sepa jugar con el artista y se conozcan “las reglas del juego”.



(1)“Hacia una espiritualidad laica, sin creencias, sin religiones, sin dioses”, Corbí, Marià, Edit. Herder, Barcelona 2007, pag. 29



(2) Émile Durkheim escribirá “Les formes élémentaires de la vie religieuse” sobre el sistema totémico en Australia.


(3) Etic se refiere a la visión del investigador, del “outsider”.


(4) Emic es la visión de aquel que habla de su propia cultura, el “insider”.


(5) Philosophical Investigations (PI), 1953, G.E.M. Anscombe and R. Rhees (eds.), G.E.M. Anscombe (trans.), Oxford: Blackwell. En http://plato.stanford.edu/entries/wittgenstein/


(6) « Trace et archive, image et art » Jacques Derrida, Dialogue. Collège iconique. INA. 25/06/2002. http://www.jacquesderrida.com.ar/frances/trace_archive.htm

(7) Nótese que en la lengua francesa la palabra “diferencia” se escribe “différence” : la a proviene inmediatamente del participio presente (différant) aproximándonos a la acción en curso de ser diferida, antes incluso un efecto constituido en diferente o en diferencia (con una e). En una conceptualizad y con las exigencias clásicas, diríamos que «différance» designa la causalidad constituyente, productora y originaria, el proceso de escisión y de división en el que los diferentes y las diferencias serían los productos o los efectos constituidos. [La Différance, Conférence prononcée à la Société française de philosophie, le 27 janvier 1968, publiée simultanément dans le Bulletin de la société française de philosophie (juillet-septembre 1968) et dans Théorie d’ensemble (coll. Tel Quel), Ed. du Seuil, 1968.



(8) Qu’est-ce que la deconstruction ? Jacques Derrida. Le Monde, mardi 12 octobre 2004. Propos recueillis par R.-P. D.


(9) Proyecto resultado del Public Works Art Program ideado por Roosevelt y Harry Hopkins en el que se contrató a miles de artistas desempleados. El objetivo era promocionar el nacionalismo, promover la educación artística de los niños y la investigación del arte en la vida cotidiana americana.


(10) http://en.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock.

(11) Historia de la Belleza de Umberto Eco, Edit. Lumen, 2004

Bibliografía:

- Textos facilitados por Joan Campás en el curso de Historia del Arte impartido en la UOC

- Eco, Umberto. Historia de la belleza. Edit. Lumen, 2004

- Stukenbrock y Töpper. 1000 obras maestras de la pintura europea, del s. XIII al XIX. Edit. Tandem Verlag, 2005

- Corbí, Marià. Hacia una espiritualidad laica, sin creencias, sin religiones, sin dioses. Edit. Herder, Barcelona 2007

- Derrida, Jacques. Qu’est-ce que la déconstruction ?, disponible en http://www.jacquesderrida.com

- Derrida, Jacques. La différance, disponible en http://www.jacquesderrida.com



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